Gustav Klimt Tod Und Leben- Die Verwendung kontrastierender Farben und geometrischer Formen durch den gefeierten Symbolisten vermittelt eine markante Aussage.Zu seinen frühesten Inspirationen gehörte die junge Alma Mahler. Der Künstler hat nie den Bund fürs Leben geschlossen, aber er hatte sexuelle Beziehungen zu anderen Frauen und hat mindestens sechs Kinder gezeugt.Klimts Verwendung von Symbolik in Tod und Leben ist auffallend und direkt, was es zu einem ziemlich zugänglichen Kunstwerk macht.
Seine Verwendung von unverdünnten Ölfarben auf der Leinwand erzeugt eine ebenso kraftvolle Palette. Die Botschaft des Künstlers ist hier nicht zu übersehen. Der Tod wird auf der linken Seite der Leinwand gezeigt, während das Leben auf der rechten Seite dargestellt wird. Während der Sensenmann für den Tod steht, repräsentiert die schöne Frau im Hintergrund das Licht und die Schönheit des Lebens.
Sein gesamtes Werk spiegelt die Vielfalt der lokalen Kultur wider, von den Blumenmustern in The Kiss bis zum Dialog zwischen den Generationen in Three Ages of Woman.Wie viele von Klimts Werken zeigt auch dieses mehrere weibliche Figuren, was sowohl seinen eigenen Geschmack als auch eine Metapher für den Kreislauf des Lebens widerspiegelt. Frauen und die Natur waren zwei von Klimts Lieblingsdingen im Leben, und er stellte sie oft zusammen dar.
So schuf er beispielsweise einen zweiten Lebensbaum für seinen Indoor-Gartenfries.In Gustav Klimts Gemälde Tod und Leben passieren seltsame Dinge. Der Künstler greift ein Thema auf, das vielen Menschen Gänsehaut bereitet. Er hat alles mit großer Sorgfalt auf dem Gemälde platziert, und während er seine Geschichte erzählt, wandert Ihr Blick von einem Teil zum anderen. Die vertikale und horizontale Teilung des Gemäldes soll den Betrachter daran erinnern, dass das Leben immer durch eine zynische Linse interpretiert wird.
Davon können Menschen jeden Alters profitieren. Viele der Menschen auf dem Bild, ob jung oder alt, scheinen sich nicht bewusst zu sein, dass sie in Lebensgefahr sind.Tod und Leben ist keine Ausnahme von Klimts Gewohnheit, Farbkontraste zu verwenden, um Schlüsselelemente seiner Kompositionen hervorzuheben. Der Tod wird in dunklen Tönen dargestellt und hält einen Gegenstand in der Hand, der jemanden leicht umwerfen könnte.
Es konzentriert sich auf eine Gruppe von Leuten rechts von der Kamera, die aus allen Gesellschaftsschichten kommen. Klimt, ein symbolistischer Künstler, macht in “Tod und Leben” mehrere Vorschläge, indem er menschliche Figuren mit anderen Symbolen kombiniert. Der Tod nimmt eine ganzheitliche Sichtweise ein und beurteilt voll reife Menschen neben sich entwickelnden Kindern und den verborgenen Dingen, die durch Symbolik symbolisiert werden.
Einfach gesagt, das macht das Leben möglich, und das Leben selbst tendiert zu einer kreisförmigen Form.Wenn eines von Klimts Untertanen im Zirkel umkam, würden die anderen ihr Leben unvermindert weiterführen. Die Formen, die er verwendete, sind einfach beängstigend. Da er rohes, unverdünntes Öl auf der Leinwand verwendet, haben seine Farben auch eine tiefe Symbolik. Der Tod ist frech und auffällig. Seine Motive sind nicht verdeckt oder heimlich.
Lebhafte Farben werden verwendet, um Lebewesen darzustellen, und in einer Szene sehen Blumen aus, als hätten sie sich gerade geöffnet. Verschiedene andere kreisförmige Dekorationen umgeben die ewige Sphäre. Sie verschönern es, und ihre Worte vermitteln eine Schönheit, die selbst den dunkelsten Zeiten standhält.„Tod und Leben“ gilt als das bedeutendste figurative Werk von Gustav Klimt. Obwohl er es 1910 fertiggestellt hatte, war er bis 1915 nicht ganz zufrieden damit.
Schließlich entschied er sich, den einst goldenen Hintergrund gegen einen gedämpfteren Grauton auszutauschen. Andere metaphorische Ausschmückungen wurden von ihm dem Jenseits und den Lebenden hinzugefügt. Viele kreative Menschen haben festgestellt, dass der Tod ein interessantes Thema ist, das es zu erforschen gilt. Oft wurde er als Personifikation des Bösen dargestellt, der Sensenmann, der den Tod seiner Opfer herbeiführte.
Auf der anderen Seite haben einige Erzählungen Protagonisten, die aktiv versuchen, ihr eigenes Leben zu verlängern, indem sie entweder dem Besuch des Todes ausweichen oder den Tod auf irgendeine Weise betrügen. Nichtsdestotrotz wird dieses spezielle Bildmaterial im endgültigen Kunstwerk nicht prominent erscheinen.1911, nur wenige Jahre bevor der Erste Weltkrieg ausbrach und Gustav Klimt 1918 an einer grippalen Lungenentzündung starb, malte der Künstler das Gemälde „Tod und Leben“.
Und neben dem Tod, der seinen Streitkolben schwingt und das „Leben“ boshaft anlächelt, sehen wir die menschliche Flut, die Erneuerung und Hoffnung suggeriert. Eine Gruppe nackter Menschen drängt sich zusammen, umgeben von einem Regenbogen aus Blumen und anderen Schmuckstücken. Diese Illustration des unendlichen Kreislaufs des Lebens umfasst Menschen jeden Alters, vom Neugeborenen bis zur Urgroßmutter.
Der Tod mag bestimmte Menschen aus der Existenz auslöschen können, aber er kann nicht das Leben oder die Menschheit als Ganzes zerstören. Der Wiener Maler hat den menschlichen Lebenszyklus in einer gewagten Komposition dargestellt, die als globale Allegorie dient. Die Ebbe und Flut des Lebens ist eine Konstante.Als sich der Krieg bereits im zweiten Jahr befand, entschied sich Klimt 1915 aus ungeklärten Gründen für eine Veränderung des Gemäldes. Es war auch das Jahr, in dem er seine Mutter verlor, mit der er ihre letzten Jahre verbracht hatte.
Die bedeutendste Änderung betraf die Natur des Todes selbst. Er übermalte den Hintergrund neu und fügte der Menge Figuren hinzu. Masse und Jenseits wurden in einer für Klimts Kunst charakteristischen Weise gestaltet. Es gibt Echos of seine berühmte „Goldene Periode“, von der „Der Kuss“ das bekannteste Meisterwerk ist. Klimt unternahm 1903 zwei Exkursionen nach Ravenna, um die Mosaiken von San Vitale zu besichtigen, die einen bedeutenden byzantinischen Einfluss auf den Künstler und sein Werk hatten.
Die Ornamente und Farben in „Tod und Leben“ haben symbolischen Wert; zum Beispiel stehen die schwarzen Kreuze auf dem Umhang des Todes in starkem Kontrast zu den lebendigen floralen Einstellungen der menschlichen Figuren.
Dieses Gemälde von Gustav Klimt erhielt 1911 den ersten Platz auf der Internationalen Kunstausstellung in Rom und wird vom Künstler als sein bedeutendstes figuratives Werk angesehen.Wir betrachten den Tod nicht als etwas, vor dem wir Angst haben müssen, sondern als etwas, das akzeptiert werden muss. Diese Zeiten des Glücks, der Attraktivität, der Jugend, der Ruhe, des Optimismus und der Akzeptanz. In seinen Gedanken wiederholt sich der Kreislauf des Lebens ewig.
